岡山芸術交流 2025 OKAYAMA ART SUMMIT

1964년 알제리(당시 프랑스령) 출생. 현재는 파리에서 제작 활동. 영화, 드로잉, 텍스트 등 다양한 매체에 걸친 작품에서 높은 평가를 받고 있다.
필립 파레노는 전람회를 매개체로 삼아 그 축을 프로세스의 중심에 둠으로써 전시 체험을 근본적으로 재정의하는 것을 시도해 왔다. 각각의 작품의 집합체로서가 아니라 일관된 「물건」으로서의 전람회의 가능성을 계속 모색하고 있다.
국내에서는 개인전 2024년 「이 장소, 저 하늘」이 폴라 미술관(하코네)에서 개최.
그 밖의 최근 주요 전시회로 2025년 'Haus Der Kunst' 뮌헨, 2024년 'VOICES' 리움미술관(서울), 2023년 'Marilyn' 에스파스 루이비통, 뮌헨, 2022년 "Echo2: a Carte Blanche to Philippe Parreno" Rotunda of the Bourse de Commerce, 피노 컬렉션, 파리, "La Quinta del Sordo" 프라도 미술관, 마드리드, 2019-2020년 "A Manifestation of Objects," (와타리움 미술관, 도쿄) , 2017년 "Synchronicity" 록밴드 미술관 , 상하이 , 2016년 "Anywhen , Hyundai Commission (현대커미션, 런던 테이트 모던 터바인 홀) 2014년 "The Illusion Of Light" 프랑수아 피노 재단 팔라초 그라시, 베네치아, 2013년 "Anywhere, Anywhere Out Of The World" 팔레 드 도쿄, 파리, 2012년 "Philippe Parreno" 바이엘러 재단, 스위스 바젤, 외. 유럽을 비롯하여 미국, 일본 및 한국을 포함한 아시아 등 각국의 주요 미술관 및 갤러리에서 전시 경력 다수.
또, 오카야마에서는 2014년 「역사 마을 만들기 회유 사회 실험」의 일환으로서 개최한 현대 아트전으로서 실시된 「Imagineering OKAYAMA ART PROJECT」, OKAYAMA ART SUMMIT (오카야마 예술 교류) 2016에 아티스트로서 참가.

셰헤라자드 압델릴라 파레노는 파리를 기반으로 활동하는 아트디렉터이자 크리에이티브 컨설턴트입니다. 응용 미술을 전공하였고, 2004년 유명한 ESAG Penninghen을 졸업한 후, 로스앤젤레스의 영화 스튜디오에서 비주얼 커뮤니케이션 분야에서 경력을 쌓기 시작하였습니다. 이후 상하이와 바레인에서 일한 후 파리로 돌아왔습니다. 패션과 럭셔리의 교차점에서 20년을 보냈으며, 2차원과 3차원 디자인을 넘나들며 이 두 분야의 크리에이티브 마스터들에게 조언을 하고, 패턴 인식, 공간 기억, 비율 및 투영을 그리는 데 독특한 재능을 발휘하였습니다. 공공 공간, 인테리어 디자인, 패션을 떠난 압델일라는 인간의 경험과 그 환경에 대한 더 깊은 이해에 끌려 인간의 궁극적 직물인 피부의 영역을 탐구하기 시작했습니다. 2018년, 그녀는 공간이라고 보는 인간 결합 조직의 효과에 대해 연구하기 시작했습니다. 새로운 기술과 그것이 생물에 미치는 영향에 열정을 쏟는 그녀는 NASA와 안면 재건의 전문가들이 사용하는 마이크로커런트의 유익한 특성에 주목했습니다. 런던과 파리에서의 고된 수련 기간을 거쳐, 파리 중심부에 모모 스킨 스튜디오를 설립했습니다. 이 스튜디오는 마음의 평화와 얼굴이라는 풍경의 표피와 심리적 연결에 초점을 맞춘 선구적인 존재입니다. 파레노는 패션과 예술 세계에서 가장 유명한 사람들과 협업하며 계속해서 영감을 주고 있습니다.

마리 앙젤레티는 조각, 영상, 사진, 드로잉, 설치 등 다양한 매체를 넘나들며, 일상의 경험 속에 숨어 있는 우연과 예상치 못한 사건들에 응답하는 자유롭고 활기찬 창작 활동을 이어가고 있다. 그녀의 작품은 공간, 시간, 움직임, 그리고 인간의 신체를 생생하게 다루며 ‘놀이’의 요소를 만들어낸다. 앙젤레티의 프로젝트는 최종적으로 확정된 완성형에 안주하기를 거부하는 경향이 있고 때로는 전시를 거듭하는 가운데 계속 변화한다. 작품은 그 제작 과정의 취약함을 받아들이고, 이를 통해 삶과 죽음의 존재 방식에 다가선다.

마리 안젤레티는 뉴욕에 거주하는 프랑스 아티스트입니다. 최근 전시로는 게이로드 아파트(Gaylord Apartments, 로스앤젤레스, 2024년), 라르스 프리드리히(Lars Friedrich, 베를린, 2024년), 쾰니셔 쿤수트페라인(Koelnischer Kunstverein, 쾰른, 2023년) 등이 있습니다. 또한, 현대판화센터the Centre d'Edition Contemporain in Geneva (제네바, 2021년), 파리 시립 근대미술관Musée de la ville de Paris (파리, 2017년), 쿤스트라하우스 브레멘Künstlerhaus Bremen (브레멘, 2015년), 르 콩소르티움 Le Consortium, (디종, 2015년), 쿤스트하우스 글라르스Kunsthaus Glarus (글라르스, 2021년), Kunsthalle Zürich (취리히, 2016년),리나스폴링스 Reena Spaulings (뉴욕, 2023년),에드아루 몽타수 Edouard Montassut (파리, 2020년), Castillo/Corrales (파리, 2014년),그린 나프탈리 Greene Naftali (뉴욕, 2018년) 등이 있습니다.

오카야마 아트 서밋 2025 큐레이터. 르틴 당글장-샤티용은 런던을 기반으로, 예술, 영화, 패션, 기술의 교차점에서 활동하는 크리에이티브 프로듀서입니다. 사회 실험 겸 영화 대작 'DAU', 라스베이거스 스피어의 개막 공연 U2의 공연, 루이 비통의 대규모 패션쇼 등 문화분야에서 가장 야심적이고 첨단적인 프로젝트에 참여해왔습니다. 2004년에는 런던의 토마스 데인 갤러리(Thomas Dane Gallery)의 설립 파트너로, 필름, 비디오, 디지털 시뮬레이션을 전문으로 다루었습니다. 필립 파레노에 의해 오카야마 아트 서밋 2025의 큐레이터로 임명되어, 현재 파레노의 장편 영화도 제작중입니다. 2021년에 MDAC Productions를 설립하여, 국제적으로 유명한 아티스트들이 예술의 인접 업계로 진출할 수 있도록 지원하고 있습니다. 당글장-샤티용은 사머셋 하우스(런던)와 AI 시대의 예술 기관의 역할, 의미, 기능에 관한 연구를 지원하는 재단 "Art Institutions of the 21st Century (AI21C)"의 이사직을 맡고 있습니다.

아르카의 초월적이고 파격적인 작품들은 예술가와 예술의 사이, 인간과 기술의 사이, 아방가르드와 팝의 사이, 그리고 음악에서 시각 예술, 패션에 이르기까지 오랫동안 넘을 수 없을 것 같았던 장벽을 무너뜨리며 그녀는 지워지지 못하는 발자취를 남겼습니다. 2021년의 KICK 시리즈는 아르카의 경력에 새로운 국면을 가져왔으며, 실험적 경계의 아이콘에서 본격적인 글러벌 문화현상, 라틴 아메리카 음악의 선구자에로 승화시켰습니다.그 이후로 아르카는 라틴 그래미 어워드에 두 번, 그래미 어워드에 한 번 후보로 올랐습니다。 장 폴 고티에(Jean Paul Gaultier), 로에베(Loewe), 아크네 스튜디오(Acne Studios), 디올(Dior), 프로엔자 슐러(Proenza Schouler), 리복(Reebok), 빌레드(Billede), 바이레도(Byredo), 보테가 베네타(Bottega Veneta), 뮈글러(Mugler) 등의 브랜드와 협업했으며, 작곡도 했습니다。 레이디 가가(Lady Gaga), 비벌리 글렌 코플랜드(Beverly Glenn-Copeland), 로리 앤더슨(Laurie Anderson)의 곡을 리믹스했으며, 바르셀로나와 파리에서 있었던 비욘세의 르네상스 월드 투어(Beyoncé's Renaissance World Tour), 바르셀로나에서 있었던 마돈나(Madonna)의　라이브, 그리고 최근에는 뉴욕의 레이디랜드(LadyLand) 페스티벌에 등장했습니다。2023년 가을, 파크 애비뉴 아머리에서 레지던시 공연 "Mutant;Destrudo"를 마치고, 2024년 3월 파리의 Bourse de Commerce에서 퍼포먼스 작품 "The Light Comes in the Name of the Voice"를 선보였습니다. 그 후 고향 베네수엘라 카라카스에서 첫 헤드라인 쇼를 개최하며, 베네수엘라의 친구들과 DJ와 함께 보일러 룸의 라이브 세트를 만들어 주목을 받았습니다. 2019년에 아르카는 청동(Bronze)을 탐구하기 시작하고, 혁신적인 AI 소프트웨어를 사용하여 필리프 파레노 (Philippe Parreno)와 니콜라 베커(Nicolas Becker)와 함께 MoMA의 새로운 로비를 위해 자동 생성한 작품을 제작했습니다.

2009년 '류세키（流跡）'로 문단 데뷔했으며 이 작품으로 2010년 제20회 Bunkamura 뒤마고 문학상을 최연소로 수상하였다. 2011년 '키코토와（きことわ）'로 제144회 아쿠타가와 상을 수상하였다. 2012-2014년 까지는 국동반도 아트 프로젝트 투어에서 아메야 노리미즈（飴屋法水） × 아사부키 마리코 '이리구치데쿠치'를 발표하였다. 2022년 '리본-아트 페스티벌（Reborn-Art Festival ）2021-22'에서 화가 유미사시 칸지(弓指 寛治)와 함께 전시작 (Swimming Town) '수이밍 타운'을 제작하였다.

아니르반 반디오파다야이는 쓰쿠바시에 있는 국립연구개발법인 물질・재료연구기구(NIMS)의 주임 연구원입니다. 2004-5년, 콜카타의 인도 과학 진흥 협회(IACS)에서 초분자 전자공학과 다중 레벨 스위칭 연구에 종사하며 박사 학위를 받았습니다. 반디오파다야이는 획기적인 공명 사슬 기반의 완전한 인간 뇌 모델을 개발하고, 공명 사슬의 간극을 메우는 것이 열쇄인 대체 인간 뇌 지도를 개발했습니다.그의 그룹은 미래형 로봇을 위해, 스스로 학습하고 프로그램하며 문제를 해결하는 유기 뇌 젤리와, 스스로 복잡한 코드를 작성하는 소프트웨어 시뮬레이터를 설계하고 합성해 왔습니다. 저서로는 『Nanobrain: The Making of an Artificial Brain from a Time Crystal』(2020년)이 있습니다.

니콜라 베커는 영화 음향의 세계에서 사운드 엔지니어, 디자이너, 폴리 아티스트, 작곡가로 다방면에서 활약하고 있습니다. 알폰소 쿠아론 감독의 '그래비티' (2013년), 알렉스 가랜드 감독의 '엑스 마키나' (2014년), 드니 빌뇌브 감독의 '컨택트' (2016년), 알레한드로 이냐리투 감독의 '바르도, 약간의 진실을 섞은 거짓된 연대기' (2022년) 등의 수상작을 작업하여 세계 영화계에서 높은 인기를 누리고 있습니다.베커는 다리우스 마더 감독의 '사운드 오브 메탈 ~들린다는 것~' (2019)으로 아카데미 음향상을 수상했습니다. 그는 열성적인 소리 수집가로, 작품 제작을 위한 풍부한 저장고가 되는 방대한 소리 소재 라이브러리를 축적하고 있습니다. 사운드 디자인 접근법에 있어, 베커는 독특한 소리 구조를 만들며, 그의 방법은 현대 예술의 영역과 밀접한 접점을 가지고 있습니다.

제임스 친런드는 장편 영화와 TV 세계관을 구축하는 것으로 알려진 미국의 프로덕션 디자이너로 수많은 상을 수상했습니다. '더 배트맨'(2022년), '라이온 킹'(2019년), '혹성탈출: 반격의 서막'(2014년), '레퀴엠 포어 드림'(2000년) 등으로 유명합니다. 또한 루이 비통Louis Vuitton, 샤넬Chanel, 나이키Nike, 애플Apple등의 비디오, 인쇄 광고, 패션쇼 디자인도 맡았습니다. 현재 '더 배트맨 2'와 베니 사프디, 필립 파레노 감독의 장편 영화제작에 참여하고 있습니다.

메리 헬레나 클라크는 영상, 사운드, 조각, 사진을 이용하여 활동하는 아티스트입니다. 실험 영화에 대한 배경 지식을 가진 그녀의 작품은 몽타주와 에세이 형식을 자주 결합하여 인간과 동물, 인공물과 자연, 센스와 넌센스 사이에서 만들어진 차이에 대해서 의문을 제기합니다. 최근 전시회로는 "Conveyor" Bridget Donahue(뉴욕, 2023년), "Neighboring Animals" Cushion Works(샌프란시스코, 2023년), "A Green Shade" MIT List Visual Arts Center(케임브리지, 2019년), "Unboxing: Doublespeak" Museum of Contemporary Art Detroit(디트로이트, 2019년), "A Casual Pincer" AWHRHWAR(로스앤젤레스, 2019년), "Audible Bacillus" Ezra and Cecile Zilkha Gallery(웨슬리안 대학교, 미들타운, 2019년) 등이 있습니다. 그녀의 작품은 선댄스 영화제, 로테르담 국제 영화제, 뉴욕 영화제, 토론토 국제 영화제, 홍콩 국제 영화제, 시네마 두 리엘, 2017년 휘트니 비엔날레 등에서 상영되었습니다.

프리다 에스코베도는 2006년에 멕시코시티에 자신의 이름을 딴 건축 사무소를 설립했습니다. 그녀의 사무소는 모국 공모전에서 에서 수많이 수상한 일련의 프로젝트를 바탕으로 구축되었으며, 2018년 런던의 켄싱턴 가든(Kensington Gardens)에서 매년 열리는 서펜타인 파빌리온(Serpentine Pavilion) 설계를 맡은 후 그녀의 명성이 세계적으로 확산되었습니다. 건축물과 실험적 보존 프로젝트부터 임시 설치물, 공공 조각, 오브제, 출판물, 전시회 디자인에 이르기까지, 에스코베도는 다양한 스케일과 표현 수단을 통해 전통적인 분야의 경계를 넘나들며 활동하고 있습니다. 2021년, 뉴욕의 메트로폴리탄 미술관(Metropolitan Museum of Art)의 새로운 근현대 아트 윙(Modern & Contemporary Wing)을 설계할 건축가로 임명되어, 메트로폴리탄 미술관 건물을 설계한 최연소이자 최초의 여성 건축가가 되었습니다. 또한, 에스코베도의 사무소는 퐁피두 센터 2030년 개조를 이끄는 모로크스노키 스튜디오(Moreau Kusunoki Studio) 건축 설계의 어소시에이트 디자이너로 선정되었습니다. 에스코베도는 건축가로서 수많은 영예를 안았으며, 실무 외에도 미국 명문 대학의 대학원에서 교수로 재직 중입니다.

FABRYX는 아마존의 샤먼이 식물과 대화하는 것처럼, 광물과 대화하는 것을 사명으로 하는 분산형의 광물 예술 길드입니다. 그 멤버에는 아티스트, 엔지니어, 디자이너, 큐레이터, 뮤지션, 과학자, 변호사, 그리고 다양한 전통 지식을 직접 계승한 사람들이 포함됩니다. 그들의 제품은 고대 건축과 현대 컴퓨팅이라는 거석 문화적 및 미세한 예술 지식을 결합하여 창의적 통찰력을 자극함으로써 치유를 제공합니다. 길드 로지(숙소)는 프랑스 파리에서 서쪽으로 1시간 거리에 있는 시골 레 로조(Les Roseaux)의 옛 구리 제련소에 있습니다. 그곳에서 멤버들은 레지던시나 리트릿 프로그램에 참여하여, 광물의 영역과 관점을 융합시키기 위한 혁신적인 프로토콜인 "미네랄 디에타"를 개발하고 있습니다. 이 프로그램은 AI를 사용한 *바이오피드백의 특별히 주문한**플로팅 탱크 "알고(Argo)"에서의 장시간 세션으로 활성화되는 의식화된 디톡스와 재광물화로 구성됩니다. "미네랄 디에타"에서 생성된 데이터는 사용자가 변화된 의식상태나 꿈의 경험에 접근할 수 있도록 돕는 소비자 제품에 사용할 기초 AI 모델을 훈련하는 데 사용됩니다. 길드 성과의 대부분은 오픈소스로 제공되며, 프랑스에서 3세에서 12세 아이들이 다니는 실험적 학교를 지원하고 있습니다. 또한, 그 프로토콜이나 제품에서 파생된 전시회도 기획하고 있습니다.

해외에서는 소우 후지모토(Sou Fujimoto)라는 이름으로 알려져있다.
1971년 홋카이도에서 태어났다. 도쿄대학교 공학부 건축학과를 졸업한 후, 2000년 ‘후지모토 소스케 건축 설계사무소’를 설립하였다. 2014년 프랑스 몽펠리에 국제 설계 공모전에서 ‘라르브르 블랑(L’Arbre Blanc)’으로 최우수상을 수상한 것을 시작으로 2015, 2017, 2018년에도 유럽 각국의 국제 설계 공모전에서 최우수상을 수상하였다.

일본 국내에서는 2025년 일본 국제 박람회의 개최지 디자인 프로듀서로 임명되었으며, 2024년에는 '(가칭) 국제센터역 북측 지역 복합 시설 기본 설계 업무 위탁'의 기본 설계자로 지정되었다.

주요 작품으로는 부다페스트의 음악의 집(House of music、2021년), 마루혼 마키아트 테라스 이시노마키 시 복합 문화 시설(2021년), 시라이야 호텔(2020년), L'Arbre Blanc(2019년), 런던의 서펜타인 갤러리 파빌리온 2013(2013년), 하우스 NA(2011년), 무사시노 미술대학교 미술관·도서관(2010년), 하우스 N(2008년) 등이 있다.

시프리앙 가이야르는 베를린과 파리를 기반으로 활동하는 아티스트입니다.주요 개인전으로는의 팔레 드 도쿄 & 라파예트 앙티시페이션(Palais de Tokyo & Lafayette Anticipations ,파리2022년), 루마 재단(Fondation LUMA,아를2022년), 모리 미술관(森美術館,도쿄, 2021년), 탱크(TANK Shanghai상하이, 2019년), 액셀러레이터 콘스탈(Accelerator Konsthall스톡홀름, 2019년) , 틴겔리 미술관(바젤, 2019년), K20 쿤스트사무룽 노르트라인-베스트팔렌(뒤셀도르프2016), 노르트라인=베스트팔렌 주립 미술관 K20(뒤셀도르프, 2016년), 줄리아 스토셰크 컬렉션(뒤셀도르프2015), 모마 MoMA PS1(뉴욕2013), 해머 미술관(로스앤젤레스2013), 니콜라 트루사르디 재단(밀라노2012), 베를린의 신켈 파빌리온(Schinkel Pavillon,베를린, 2012년), 파리의 조르주 퐁피두 센터(파리, 2011년), 베를린의 KW 현대미술 연구소(베를린, 2011년) 및 바젤의 쿤스트할레(Kunsthalle Basel바젤, 2010년) 가 있습니다.

중요한 그룹 전시로는 베이엘러 재단(스위스,2024), 카르미냐크 재단(2022포르케롤), 헬싱키 키아스마 현대미술관(헬싱키,2022년), 팔레 드 도쿄(Palais de Tokyo파리, 2021년), 베를린의 줄리아 스토셰크 컬렉션(2021), GAMeC(베르가모, 2021년), 함부르크 바흐호프(Hamburger Bahnhof,베를린, 2020년), 제58회 베니스 비엔날레(2019), 빈센트 반 고흐 미술관(Vincent Van Gogh Foundation,아를, 2019년), 클리블랜드 트리엔날레Cleveland Triennial(2018년), 그로피우스 바우(Gropius Bau,베를린, 2018년),루이 비통 미술관Louis Vuitton Foundation(파리, 2018년), 오르후스 트리엔날레(ARoS Triennial,오르후스, 2017년), 붉은 벽돌 미술관Red Brick Art Museum(베이징, 2017년), 허쉬혼 미술관 및 조각정원Hirshhorn Museum and Sculpture Garden(워싱턴 D. C. 2017년), 헤이워드 갤러리(Hayward Gallery,런던, 2016년) , 제13회 리옹 비엔날레(2015년), 제54회 베니스 비엔날레(2011년), 광주 비엔날레(2010년), 제5회 베를린 비엔날레(2008년) 가 있습니다.

체스터에서 태어나 현재 런던 및 서퍽을 기반으로 활동하고 있다. 2022년 로열 아카데미(Royal Academy)의 정회원(조각 부문)으로 선출되었으며, 2019년 아모리 쇼에서 포메리상을, 2017년 대영제국 훈장을, 2009년 취리히 예술상을 수상하였다.
새로운 세대의 개념 미술 실천자인 라이언 갠더는 그 다양한 작품 스타일로 알려져 있다.
주변의 일상 용품에서 아이디어를 얻은 작품, 언어에서 영감을 받은 작품, 문화의 차이를 주제로 한 작품 등 갠더가 다루는 주제는 다양하지만, 그곳에는 항상 새로운 인식과 인지를 여는 포털로서의 예술의 에너지와 가능성을 제시하는 개념이 존재한다.

그는 '오카야마 예술 교류 2016 개발'에서 '추락한 운석 ' 모양의 작품을 전시해 예술 팬들뿐만 아니라 시민들의 주목도 받았다.
주요 전시회로는 라이언 갠더: 당신이 나를 완성한 이유（Ryan Gander: You Complete Me）,폴라 미술관(가나가와, 2025년), 'Together, but not the same' 후쿠오카 간장 갤러리(오카야마, 2025년), 'Grunts, hoots, whimpers, barks and screams' 헬가 데 알베아르 현대 미술관(카세레스, 2024년), '라이언 갠더 우리의 시대의 신호（Ryan Gander: Signs of Our Times）'‘도쿄 오페라 시티 아트갤러리(도쿄, 2022년), 'The 500 Million Year Collaboration' 쿤스트할레 베른(베른, 2019년), '라이언 갠더 - 이 날개는 날기 위한 것이 아니다' 국가 국제 미술관(오사카, 2017년) 등이 있다. 또한 그는 다음과 같은 주요 국제 비엔날레에도 다수 참여하였다: 제10회 리버풀 비엔날레(2018), 제12회 하바나 비엔날레(2015), 제9회 상하이 비엔날레(2012), 도큐멘타13(카셀, 2012), 제54회 베니스 비엔날레(2011)등이다.

리암 길릭은1964년 아이스버리 출생, 현재 뉴욕에서 제작 및 활동 중입니다. 뉴욕을 기반으로, 설치, 비디오, 사운드 등 다양한 형식으로 작품을 제작하고 있습니다. 아티스트로서 뿐만 아니라 이론가, 큐레이터, 교육자로도 활약하며 에세이와 텍스트 출판, 강연, 큐레이션, 공동 프로젝트 등 다양한 활동을 하고 있습니다. 길릭의 작품은 경제, 노동, 사회 조직의 미학을 포함한 산업 혁명 후의 생산 조건을 반영하고 있습니다. 그의 작품은 세계화된 신자유주의적 합의 속에서 추상과 건축으로서의 모더니즘 유산이 기능 장애에 빠진 것을 폭로하고, 형식으로서의 전시의 구조적 재고까지 다루고 있습니다. 2000년대 후반부터는 문화인으로서의 현대 아티스트가 지속적으로 변모하는 것을 고려하여 'Margin Time'(2012년), 'The Heavenly Lagoon'(2013년), 'Hamilton: A Film by Liam Gillick'(2014년) 등 창의적인 인물상을 구축하는 단편 영화를 다수 제작하고 있습니다. 저서로는 2016년 3월에 콜롬비아 대학 출판부에서 출판된 'Industry and Intelligence: Contemporary Art Since 1820'가 있습니다.

그는 독멘타, 베니스, 베를린, 상하이, 이스탄불 비엔날레 등 수많은 중요한 전시회에 작품을 출품했으며, 2009년에는 독일 대표로 베니스 비엔날레에 참가했습니다. 주요 개인전으로는 시카고 현대미술관, 뉴욕 현대미술관, 런던 테이트 등이 있습니다. 길릭의 작품은 파리 퐁피두 센터, 뉴욕과 빌바오 구겐하임 미술관, 뉴욕 현대미술관 등 많은 중요한 공공 컬렉션에 소장되어 있습니다. 지난 25년간 길릭은 현대미술 분야에서 저술가 및 비평가로도 활약하고 있으며, 'Artforum', 'October', 'Frieze', 'e-flux Journal' 등에 기고하고, 비평 선집을 포함한 다수의 서적을 출간했습니다. 또한, 런던의 영국 정부 내무부 청사나 프랑크푸르트 루프트한자 독일 항공 본사 등 공공 공간에서의 작품도 주목을 받고 있습니다. 동시에 길릭은 필립 파레노, 로렌스 위너, 루이스 롤러, 아담 펜들턴 등 아티스트들과의 협업, 맨체스터와 토리노, 빈에서 록 밴드 뉴 오더(New Order)와의 공동 콘서트 개최 등 실험적인 장소에서의 활동 및 공동 프로젝트에도 힘을 쏟고 있습니다.

홀리 헌든과 맷 드라이허스트는 기계 학습, 소프트웨어, 음악 분야에서 선구적인 활동을 하는 아티스트로 널리 알려져 있습니다. 그들은 자신의 테크놀러지 및 타인의 테크놀러지와 공존하는 시스템을 개발하며, 디지털 정체성과 목소리의 소유권 및 확장에 중점을 두는 경우가 많습니다. 이러한 테크놀러지 프로토콜은 미디어를 넘어서서 광범위한 작품을 실현할 뿐만 아니라, 그 자체로 일종의 예술 작품으로 제안되기도 합니다. 2024년에는 서펜타인 갤러리에서 개인전 "The Call"을 개최하고, 휘트니 비엔날레에도 참가했습니다. 그들은 또한 퍼블릭 도메인 AI 모델과 데이터 인프라를 구축하는 조직 "Spawning"을 공동 설립했습니다. 비평가들로부터 높은 평가를 받은 음악 작품은 4AD와 RVNG Intl.에서 발매되었습니다. 홀리 헌든은 스탠포드 대학 CCRMA에서 컴퓨터 음악 박사 학위를 받았으며, 맷 드라이허스트는 거의 독학으로 공부했습니다. 그들은 NYU, 유럽 대학원, 버그그루엔 연구소의 안티키테라 프로그램에서 교수직을 수행했으며, 2022년에는 디지털 아트를 위한 Ars Electronica STARTS상을 수상하고, 2024년에는 오스트리아 최초의 디지털 인권상을 수상했습니다.

1988년에 NHK 드라마 '바다의 군별'으로 배우 데뷔하였다. 1993년에는 니혼 TV 계열 연속 드라마 '그녀가 싫어하는 그녀'로 드라마 첫 주연을 맡았다. 1997년에는 미야자키 하야오 감독의 지브리 작품 영화 '원령공주(모노노케 히메)'에서 히로인 '산' 역의 목소리를 맡았으며, 데뷔 이후 지금까지 수많은 영화와 드라마에 출연하면서 집필 및 음악 활동 등 다양한 분야에서도 활동하고 있다.

최근 주요 출연작으로는 TBS 일요일 극장 '안녕 마에스트로~ 아빠와 아파시온 나토~' (2024년), NHK 연속 TV 소설 '호랑이에게 날개' (2024년), 영화 '극장판 TOKYO MER～달리는 긴급구명실～난카이 미션～' (8월 1일 공개) 등이 있다

Isolarii |솔라리ㅅ(2020년 설립, 영국)
Isolarii는 뉴욕과 런던을 기반으로 하는 미디어 기업입니다. 설립 이래로 문학의 기존 통념―그 미학, 유통, 목적 등―을 타파하려는 시도로 평가받고 있습니다. Isolarii의 책은 오늘날 가장 급진적인 조직이나 인물의 도식을 제시합니다. 출판물의 저자에는 칸쉐Can Xue, 스콜라스틱 무카손가Scholastique Mukasonga, 로버트 쿠버Robert Coover, 아트 스피겔만Art Spiegelman, 에두아르 글리상 Édouard Glissant등이 있습니다. 2020년 후반부터, 이 회사는 환경 이니셔티브 ('Salmon: a Red Herring')의 촉매제 역할을 하고나, 유럽 전역에서 페미니스트 시위의 상징이 된 ('F-Letter')을 배포하거나, 키이우에서 국제적으로 동시 배급된 르포르타주 ('War Diary')를 제작했습니다. 오카야마 예술 교류 2025에서는 Isolarii는 시몬 베유가 1933년부터 1943년 세상을 떠날 때까지 남긴 모든 노트를 처음으로 편집해 『Decreation』을 출간한다."

알렉산드르 콘지는 프랑스 파리를 중심으로 활동하는 키네틱 조각의 개념 미술가입니다. 그는 뉴욕의 바드 대학에서 학사 학위를, 런던의 로열 칼리지 오브 아트에서 석사 학위를 취득했습니다. 주요 전시회로는 에르 드 레포스 " (Breathwork)" CAPC 보르도 현대 미술관(보르도, 2024년), 모린 페일리(Maureen Paley,런던, 2024년), 시버스 온리(Shivers Only,파리, 2023년), LUMA(알르, 2021년) 등이 있습니다. 또한, 2025년에는 스위트워터(Sweetwater,베를린)에서 개인전이 예정되어 있습니다.

이미래는 초라하고, 우스꽝스럽고, 불안정해 보이는 키네틱 조각 설치물을 제작하는 것으로 잘 알려진 아티스트입니다. 그녀의 작품은 자기다움, 사회적 수용성, 청결함 같은 개념에 도전하고 있으며, 오르가즘, 일탈적이며 키네틱한 테크놀러지 앞에서 미학과 욕망에 대한 사회적 관습을 지워버리고 있습니다. 최근 개인전으로는 "Black Sun" 뉴 뮤지엄(뉴욕, 2023년), "Carriers" 티나 킴 갤러리(뉴욕, 2022년), "Look, I'm a fountain of filth raving mad with love" ZOLLAMT MMK(프랑크푸르트, 2022년), "Carriers" 아트선재센터(서울, 2020년) 등이 있습니다. 또한, 2024년 10월에 테이트 모던에서 개막하는 "Turbine Hall Commission 2024"의 아티스트로 선정되었습니다.

런던의 서펜타인(Serpentine)의 아티스틱 디렉터이자 LUMA 아를의 시니어 어드바이저로 활동하고 있습니다. 1991년 첫 전시 "월드 수프(키친 쇼) World Soup(The Kitchen Show)" 이후로 350개 이상의 전시회를 기획했습니다. 그 중 대표적인 전시로는 "Do It" 시리즈(1993년~), "Take Me(I'm Yours)"(런던, 1995년; 파리, 2015년; 뉴욕, 2016년; 밀라노, 2017년), 제14회 베네치아 비엔날레 국제 건축전 스위스관(2014년) 등이 있습니다. 오브리스트는 또한 "Cities on the Move" 시리즈(1996년-2000년), "Laboratorium"(1999년), 오페라 그룹전 "Il Tempo del Postino"(맨체스터, 2007년; 바젤, 2009년), "The 11, 12, 13, 14, 15 Rooms" 시리즈(2011-2015)를 공동 기획했습니다. 오브리스트의 최근 전시로는 밀라노 트리엔날레의 엔초 마리(2020), 퐁피두 메스 센터의 월드 빌딩(2023), 뒤셀도르프 율리아 스토셰크 컬렉션전(2022) 등이 있습니다. 2011년, 오브리스트는 CCS 바드 어워드(Bard Award for Curatorial Excellence)를 수상했으며, 2015년에는 국제 폴크방상(International Folkwang Prize)을 수상했습니다. 가장 최근에는 미국 감정사 협회(Appraisers Association of America)로부터 2018년 예술 우수상(2018 Award for Excellence in the Arts)을 수상했습니다. 오브리스트는 학술 기관과 미술 기관에서 국제적으로 강의하고 있으며, 여러 잡지와 저널의 기고자이자 편집자이기도 합니다. 최근 저서로는 "Ways of Curating"(2015년, "큐레이션의 방법: 오브리스트는 말한다"), "The Extreme Self: Age of You"(2021년), "140 Artists' Ideas for Planet Earth"(2021년), "Edouard Glissant: Archipelago"(2021년), "James Lovelock: Ever Gaia"(2023년), "Remember to Dream!"(2023년), "Une vie in progress"(2023년) 등이 있습니다.

프레셔스 오코요몬은 나이지리아계 미국인이고 시인이자 아티스트입니다. 그의 작품에서는 자연계, 이민과 인종 차별의 역사, 일상 생활의 순수한 기쁨에 대해 고찰하고 있습니다. 루마 베스트바우(LUMA Westbau, 스위스 취리히), 현대미술관(Museum für Moderne Kunst ,F,프랑크푸르트), 퍼포먼스 스페이스 뉴욕(Performance Space New York,뉴욕 ), 아스펜 미술관 (Aspen Art Museum, 아스펜 ), 산드레토 레 레바우뎅고 재단(The Sandretto Rebaudengo), (마드리드 ), 에서 개인전을 가졌습니다. 또한, 발트 트리엔날레 13(탈린, 에스토니아), 제58회 베오그라드 비엔날레(베오그라드, 세르비아), 제59회 베네치아 비엔날레(베네치아), 2022년 오카야마 예술 교류(오카야마), 제11회 시퀀스 비엔날레(레이캬비크) 등의 국제 예술전에 참가했습니다. 또한, 인스티튜트 오브 컨템퍼러리 아트(런던), LUMA Westbau(취리히, 스위스), Schinkel Pavillon(베를린, 독일), LUMA Arles(알르, 프랑스), 팔레 드 도쿄(파리), 제60회 베네치아 비엔날레 나이지리아 파빌리온(베네치아), 바이엘러 재단(바젤) 등에서 그룹전에도 참가했습니다. 오코요몬의 작품은 프랑크푸르트 현대 미술관(프랑크푸르트)과 LUMA Arles(알르)의 영구 컬렉션에 소장되어 있습니다. 2021년 프리즈 아트 페어 아티스트상, 2021년 샤넬 넥스트 아트상을 수상했습니다. 2024년에는 두 번째 시집 "But Did You Die?"가 서펜타인 및 Wonder Press에서 공동 출판되었습니다.

베레나 파라벨은 영화 제작자, 아티스트, 시각 인류학자이다. 그녀의 작품은 예술이 지닌 '‘부정적 역량(Negative Capability)’과 인생의 유동성에 대한 민족지적 시선, 그리고 현대의 긴급한 생태적 및 정치적 과제와의 참여를 연결짓는다.

2006년 이후 하버드 대학교의 감각적 민족지 연구소(Sensory Ethnography Lab)에서 뤼시앵 카스탕-테일러(Lucien Castaing-Taylor)와 공동 작업을 하며 현대미술과 인류학적 연구의 경계를 재구성하는 독창적인 다큐멘터리 영화 기법을 발전시켜왔다.
주요 작품으로는『Foreign Parts』(소멸 위기에 처한 뉴욕의 폐차장 풍경), 'Leviathan'(2012, 인류와 해양 자원 착취를 묘사하는 신체적 영상 경험), 『Somniloquies』(2013, 세계에서 가장 수다스러운 몽유병 환자의 꿈 녹음을 토대로 구성한 영상 에세이), 'Ah Humanity!'(2015, 후쿠시마와 인류의 취약성을 주제로 한 영상), 『Caniba』(2017, 인간 식인을 둘러싼 명상적 영상), 'De Humani Corporis Fabrica'(2023, 해부학적, 의료적, 정치적 신체를 융합한 전례 없는 초상화) 등이 있다.

그녀의 영화는 베를린, 칸, 로카르노, 토론토, 베네치아 등 국제 영화제에서 상영되었으며, 뉴욕 현대 미술관(MoMA)의 영구 컬렉션에도 소장되어 있다. 또한, 베네치아 비엔날레, 다큐멘타14, 퐁피두 센터, 테이트, 휘트니 미술관, 바비컨, 쿤스트할레 베를린, MoMA PS1 등에서도 전시되었다.
하버드 대학교의 객원 교수이자 파리 정치대학교(Sciences Po Paris) 정치 예술 학부의 교수로 활동하며, 2023–24년에는 르 프레누아 국립 현대 미술 스튜디오의 레지던시 아티스트로도 활동하였다.

레이첼 로즈는 뉴욕에 거주하고 있습니다. 그녀의 작품은 풍경과 우리의 관계 변화가 어떻게 이야기와 신념 체계를 형성해왔는지 탐구하고 있습니다. 로즈의 영화는 영화 혁신 과정의 오랜 역사에서 배우고 또한 기여하는 것입니다. 저온 물리학, 미국 독립 전쟁, 우주 비행사의 우주 유영 등 어떤 탐구에서든 그녀는 숭고함과 일상이 모호해지는 장소나 역사에 우리를 주목하게 만듭니다. 그녀는 이것을 회화, 조각, 드로잉에 반영시켜 서로 물질적으로 반향을 일으키며, 눈앞의 시간에서 백만 년 단위의 거대한 시간의 흐름까지 서로 다른 시간 층을 연결하려고 시도합니다. 개인전으로는 GL STRAND(2023년), SITE Santa Fe(2023년), Gladstone Gallery(2023년), CC Strombeek(2022년), Pond Society(상하이, 2020년), Lafayette Anticipations(2020년), Fridericianum(2019년), LUMA Foundation(2019년), 필라델피아 미술관Philadelphia Museum of Art(2018년), Fondazione Sandretto Re Rebaudengo(2018년), Kunsthaus Bregenz(2017년), Museu Serralves, Porto(2016년), The Aspen Art Museum, Aspen(2016년), The Whitney Museum of American Art(2015년), Serpentine Gallery(2015년), Castello di Rivoli(2015년) 등이 있습니다.

디미타르 사셀로프는 하버드 대학교에서 별과 행성에 대해 연구하는 천문학 교수이며, 하버드 대학교 "생명의 기원 이니셔티브" 프로그램의 창립 디렉터이기도 합니다. 그의 연구는 초기 우주에서 우주 마이크로파 배경의 출현부터 지구에서 생명의 기원에 관한 광화학 실험실 실험까지, 빛과 물질의 상호작용 방식을 탐구하고 있습니다. 20년 이상 전에, 사셀로프가 이끄는 팀은 후에는 NASA의 케플러와 TESS 미션의 공동 연구원으로서, 지구와 같은 행성을 발견하기 위해 새로운 테크놀러지를 활용하여 다른 항성을 도는 여러 행성을 발견했습니다. 그의 저서 『The Life of Super-Earths』(Basic Books, 2012년)은 다른 행성에서의 생명 탐사에 대해 다루고 있습니다. 1988년, 디미타르 사셀로프는 소피아 대학교(불가리아)에서 물리학 박사 학위를 취득했으며, 1990년에는 토론토 대학교에서 천문학 박사 학위를 취득했습니다. 1999년에 알프레드 P. 슬로언 펠로우가 되었습니다. 그는 여러 상을 수상했으며, NASA 업적상 2개, 명예 박사 학위(소피아 대학교), 옥스퍼드 대학교 아스터 강연직 등을 수여받았고, DLD, TED, 다보스 회의 등에서 강연을 했습니다. 그는 물리학과 생명 과학을 연결하는 학제 간 연구 활동인 하버드 대학교 "생명의 기원 이니셔티브" 프로그램의 창립 디렉터이자, 사이먼스 재단 "생명의 기원 공동 연구 계획"의 창립 공동 디렉터이며, 2023년에는 국제적인 "Origins Federation"의 창립에 기여했고 현재 그 이사장을 맡고 있습니다. 그는 하버드 대학교 라드클리프 고등 연구소의 선임 과학 자문 위원, 세계 경제 포럼의 우주 안보에 관한 글로벌 아젠다 위원회의 멤버로 활동했습니다.

세갈은 동시대에서 가장 중요한 예술가 중 한 사람으로 널리 평가받고 있으며, 비평가들은 "구축된 상황"이라는 형태로 나타나는 그의 선구적인 예술적 실천을 찬사합니다. 그 덧없는 아름다움은 찰나적인 만남의 독특성에 있으며, 플레이어들은 종종 작품 구성에 적극적으로 참여함으로써 방문자를 매료시킵니다. 필립 파레노와는 오랜 공동 작업 역사를 가지고 있습니다. 그는 독일 에센의 폴크방 예술 대학에서 베를린의 정치경제와 춤을 공부했습니다. 그의 작품은 국제적으로 많은 개인전 및 그룹전에서 전시되었으며, 특히 바이엘라 재단(바젤, 2024년), Desert X AlUla(사우디아라비아, 2024년), Centro Botín(산탄데르, 2023년), Remai Modern(사스카툰, 2022년), 오다와라 예술 문화 진흥 재단(오다와라, 2019년), Officine Grandi Riparazioni(토리노, 2018년), V-A-C 재단(모스크바, 2017년), 바이엘라 재단(바젤, 2017년), Jemaa el-Fna(마라케시, 2016년), 팔레 드 도쿄(파리, 2016년), 스테델릭 미술관(암스테르담, 2015년), 마틴 그로피우스 바우(베를린, 2015년), 피나코테카 CCBB(상파울루 리우데자네이루, 2014년), 울렌스 현대 미술 센터(베이징, 2013년), 테이트 모던(런던, 2012년), 솔로몬 R. 구겐하임 미술관(뉴욕, 2010년), Kunsthaus Bregenz(브레겐츠, 2006년) 등에서 전시되었습니다.

시마부쿠는 오키나와현 나하시에 거주하며 국제적으로 활동하는 일본의 개념적 예술가입니다. 1990년대 초반부터 국내외 다양한 곳을 여행하며, 그의 작품은 특정한 장소를 미술로 표현하고, 사람들이 살아가는 장소, 생활, 문화와 관련된 미술입니다. 그는 또한 새로운 의사소통 형태와 관련된 퍼포먼스, 영상, 조각, 설치 작품 등으로 유명합니다. 그의 작품은 때로 생명체와 인간의 관계에도 영향을 미칩니다. 시마부쿠의 작풍은 시적이고 유머가 넘치는 은유적 방식으로 관객을 도발하여 국제적으로 높은 평가를 받고 있습니다. 그의 주요 국제전으로는 제57회 베네치아 비엔날레(2017년), 제14회 리옹 비엔날레(2017년), 제12회 하바나 비엔날레(2015년), 제9회 타이베이 비엔날레(2014년), 제11회 샤르자 비엔날레(2013년), 제27회 상파울로 비엔날레(2006년), 리버풀 비엔날레(2006년), 제11회 시드니 비엔날레(1998년) 등이 있습니다. 최근의 주요 개인전으로는 센트로 보틴(산탄데르, 2024년), 무제이온　현대미술관(볼차노, 2023년), 비어스 현대미술센터(브뤼셀, 2022년), 모나코 신국립미술관(모나코, 2021년), 크레닥-이브리 현대미술센터(이브리쉬르센느, 2018년), 쿤스트할레 베른(베른, 2014년), 아이콘 갤러리(버밍엄, 2013년) 등이 있습니다. 시마부쿠는 오카야마 예술 교류의 "예술적 번역가"로 활동하고 있습니다.

사운드워크 콜렉티브는 창립자이자 아티스트인 스테판 클라스니안스키와 프로듀서인 시모네 멜리가 이끄는 현대 소닉 아트 플랫폼입니다. 이들은 아티스트 및 음악가들과 함께 개념적, 문학적 또는 예술적 주제를 탐구하기 위해 특정 장소나 상황에 특화된 사운드 프로젝트를 진행하고 있습니다. 사운드워크 콜렉티브는 음악가 패티 스미스, 영화감독 장 뤽 고다르, 사진작가 낸 골딘, 안무가 사샤 발츠, 배우 겸 가수 샤를로뜨 갱스부르와 장기적인 협업을 전개하고 있습니다. 그들의 활동은 아트 인스톨레이션, 무용, 음악, 영화 등의 매체를 넘나들며, 소리의 서사적 가능성에 참여하고 있습니다. 최신 오리지널 음악 작업인 『아름다움과 학살의 모든 것』(감독: 로라 포이트라스)은 2022년 베네치아 국제 영화제에서 황금사자상을 수상했습니다. 2024년에는 아테네의 오나시스 재단, 뉴욕의 BAM, 메데진의 MAMM 현대 미술관에서 패티 스미스와 함께한 신작 전시와 공연 "Correspondences"를 발표했습니다. 사운드워크 콜렉티브는 BAM, CCB 리스본, 퐁피두 센터, CTM 페스티벌, 도큐멘타, KW 현대 미술 연구소, 루브르 아부다비, 마니페스타, 자하 하디드의 모바일 아트 파빌리온, 뉴 뮤지엄, 리트하우스, TPMM 트빌리시, 폴크스뷔네 베를린 등 다양한 예술 및 음악 시설과 이벤트에서 공연 및 전시를 개최하고 있습니다.

– 인간의 경험을 디자인하는 자 –
람단 투아미는 파리를 기반으로 활동하는 프랑스계 모로코인 디자이너이자 창의적 기업가이다. 그는 공간, 문화, 인간의 상호작용이 교차하는 영역을 넘나들며 활동을 전개하고 있다. 단순한 브랜드 구축을 넘어 미학, 이야기, 공간 설계를 융합하는 생태계를 만들어간다. 2000년대 초반에는 프랑스 초기의 갤러리 겸 콘셉트 스토어 중 하나인 'L’Épicerie'를 설립했다. 그 후 세계에서 가장 오래된 양초 제조업체인 Cire Trudon을 재생시키고, 더욱이 Officine Universelle Buly를 공동 설립하였다. 역사적 유산을 몰입형 다감각 공간으로 재구성하는 방법론을 확립했다.
그가 주관하는 에이전시 Art Recherche et Industrie에서는 모든 프로젝트를 회사내에서 완료한다. 오브제, 인테리어, 영상, 타이포그래피,패키지,도구 등 다양한 것을 학제 간 팀과 함께 설계하고 제작하고 있다. 상업과 문화, 판매 행위와 문화적 의식의 경계를 녹이며 감정적으로 호소함과 동시에 시각적으로 세련된 공간을 창출하는 데 집중한다. 레오나르 베르네와의 공동 작업으로 갤러리 겸 출판 레이블 'Permanent'를 설립하였다. 이는 신진 아티스트 및 실험적인 포맷을 지원하는 플랫폼으로 기능한다. 2023년에는 스위스 알프스에 Hotel Drei Berge를 개업하였다. 2024~2025년에는 판매, 호스피탈리티, 출판, 제품 디자인 등의 여러 분야를 아우르며 자연과의 새로운 관계를 재구성하는 프로젝트를 전개할 예정이다. 또한, 공간적 경험으로서 소리를 탐구하는 프로젝트로 소리 플랫폼 'Pseudo Radio'와 그 24시간 라이브 스트리밍 'Music for Hikers'를 추진하고 있다. 알프스의 고독감과 고양감을 소리로 가시화하고 있다. 매장, 향기, 소리 등의 다양한 형식을 통해 람단 투아미의 작업은 만남, 이동, 의미 생성이라는 인간의 기본적인 행위에 대해 항상 재마법화를 시도하고 있다.

앙가라드 윌리엄스(웨일스 몬섬 출생)의 작품은 우리의 삶과 환경을 지배하는 역학에 대한 성찰과 비판적 검토를 촉구합니다. 회화, 소묘, 글쓰기, 조각, 사진, 설치, 비디오, 퍼포먼스 등 다방면의 예술 활동을 통해 우리의 깊이 잠재된 욕망과 두려움을 투사하는 스크린 또는 필터 역할을 하는 형태에 주의를 기울입니다. 이러한 애매한 표현은 텍스트에 뿌리를 두고 권위, 안전 또는 디자인의 문제에 의해 형성되며, 개인, 공동체 및 그들이 거주하는 풍경에 대한 주체화의 중심이 됩니다. 윌리엄스의 작품과 전시는 이 과정을 욕망의 축적으로서의 과정이자, 이는 모든 종류의 억압과 감금상태에서 탈출하는 길이자 인간의 불안정한 본성과 타고난 야성, 그리고 이를 포괄한 폭력과 관능성에 대한 솔직한 관찰이기도 합니다.주요 개인전으로는 〈Berlin Straße〉 Schiefe Zähne (베를린, 2024), 〈Eraser〉 Kunstverein Düsseldorf (뒤셀도르프, 2022), 〈Picture the Others〉 MOSTYN (웨일스 랜디드노, 2022), 〈High Horse〉 Kevin Space (비엔나, 2021) 등이 있습니다. 그룹전으로는 museo Madre(나폴리, 2024), The Wig(베를린, 2023), MadeIn Gallery(상하이, 2023), Kunstverein Munich(뮌헨, 2020) 등이 있습니다. 취리히 미술관(취리히, 2022)과 KW(베를린, 2020)에서도 퍼포먼스를 진행했습니다. 2023년에는 앙가라드 윌리엄스(Angharad Williams)의 작품 모음집 "지우개(Eraser)"가 After8 Books(파리)에서 출간되었습니다. 2025년에는 런던의 컨센트릭 그룹(Concentric Group)과 데사우의 바우하우스 재단(Bauhaus Foundation)과의 협업으로 12인치 한정판 음반이 출시될 예정입니다.